Советская живопись
Стили и жанры
|
О советской живописи
Имена московских живописцев В. Г. Цыплакова, Ю. П. Кугача, Н. К. Соломина, К. М. Максимова, В. К. Нечитайло, М. В. Савченковой, Н. П. Толкунова, М. Ф. Володина, О. Г. Светличной, Н. Н. Горлова, И. С. Сошникова, В. Г. Гремитских хорошо известны советским зрителям. Все они постоянные участники Московских, Республиканских и Всесоюзных выставок. Их картины, находящиеся во многих музеях нашей страны, стали неотъемлемой частью истории советского изобразительного искусства, художественной летописью прошедших десятилетий. За плечами этих художников сорок трудных и достойных лет неустанной творческой работы. Многие из них — участники Великой Отечественной войны. Михаил Филиппович Володин, Иван Сергеевич Сошников и Николай Константинович Соломин ушли на фронт прямо с институтской скамьи и завершили свое образование уже после возвращения из армии. Володин в 1945 году участвовал в операции по спасению картин Дрезденской галереи. Широк диапазон творческих устремлений этих мастеров. Они пишут современные и исторические картины, пейзажи, натюрморты, портреты. В тематической картине нашли отражение самые волнующие события — историко-революционные, батальные и трудовые. С ленинской темой связана жизнь Цыплакова — автора таких известных полотен, как «В. И. Ленин», «Ленин с крестьянами» (оба 1947 г.). Легендарные события Великой Октябрьской социалистической революции и Гражданской войны запечатлены в работах Н. Горлова «На Красной площади» (1961—1964), «Поэма о революции (1986), В.Нечитайло «За Советскую власть» (1971), «Красные партизаны» (1977—1980), Н.Соломина «Декрет о земле» (1957). Героико-романтические образы встают в произведениях В.Цыплакова «Чапаев» (1942), Ю.Кугача «Клятва партизан» (1964), Н.Толкунова «Бессмертие. Брест. 1941 года» (1960), где мужество последнего оставшегося в живых защитника крепости рождает ощущение духовной стойкости народа и непоколебимой веры в победу. Художественный почерк мастеров отличается широким многообразием творческих манер: у Цыплакова она свободная и артистичная, у Нечитайло — плотная, пастозная, у Соломина — эффектная, близкая к натуре, доводящая впечатление почти до иллюзии, у Кугача — классическая, ясная, строгая, напоминающая о традициях художников второй половины XIX века; импульсивная, этюдная — у Гремитских, законченная в своей живописной целостности — у Максимова, трепетная, пленэрная — у Светличной, эмоционально-активная, темпераментная — у Володина, открытая, широкая — у Горлова и непосредственная в каждом живописном куске у Толкнунова. Убедительно достоверны работы Сошникова, выразительно-грубоваты — у Савченковой. Хотя это художники разного мировосприятия, говорящие различным пластическим языком, их объединяют высокая требовательность к себе, стремление реалистически отобразить окружающую действительность, внимание к повседневным, часто неброским событиям нашей жизни, благоговейное отношение к натуре, глубокая любовь к своему народу. Художественное мировоззрение и мастерство этой группы формировалось в стенах Московского художественного института (с 1948 г.— имени В. И. Сурикова). Такие маститые педагоги как И. Э. Грабарь, Н. П. Крымов, С. В. Герасимов, А. А. Осмеркин, Б. В. Иогансон сумели привить своим ученикам любовь к натуре, к тщательному ее изучению, к вдумчивому и внимательному отношению к действительности. От них художники восприняли высокое профессиональное мастерстерство, основы рисунка, умение связать его с живописью, крепкую композиционную конструкцию. В послевоенные годы с радостью были встречены зрителями работы «Сашка-тракторист» и «Любочка-почтальон» (оба 1954 г.) тогда еще молодых Максимова и Нечитайло. Уже в этих произведениях сказался чуткий отбор характерных явлений. Художники нашли свой идеал в предельной конкретности и неподдельной искренности художественного образа. Им присущи поиски нравственной красоты в неразрывной связи человека с землей, в героике труда, в душевной простоте. Несомненно, в этом понимании художественного образа они продолжают замечательные традиции их учителя Сергея Васильевича Герасимова. Трудовым подъемом пронизаны полотна Нечитайло «Хлеб Родине» (1962—1967), «На полевом стане» (1977). Эти же черты мы находим в произведениях «Концерт на стройке» (1957) Володина, «Семья тракториста» (1975) Савченковой, в серии холстов Максимова, посвященных КамАЗу. Есть в них светлое мироощущение, свежесть и острота непосредственного восприятия, спокойная сила в движениях, ощущение слаженности, единства в работе. Добротно, крепко вылеплены на полотнах Нечитайло молодые решительные, уверенные в себе крепкие казачки, пластично-выразительны образы Савченковой, духовно-прекрасны строители Максимова, заразительно-веселы пляшущие девчата, энергично написанные Володиным. Человек на картине мастера предстает в своем единстве с миром, красота которого познается в труде. В условиях нарастающей борьбы народов нашей планеты за мир своевременно прозвучали произведения Володина «Всемирный конгресс за разоружение» и «В перерыве между заседаниями» (оба 1962 г.). Картины воспринимаются своеобразным документом эпохи. Создавая иллюзию достоверности происходящего, художник продуманным композиционным приемом переводит художественный образ в более широкий аспект историчности момента. Сюжетно-тематическое решение совмещается с элементами символико-героического плана. Могучий щит седых шлемовидных куполов древних соборов Московского Кремля стоит вечно непоколебимым стражем, охраняя спокойствие и счастье народов. Наряду с современностью художников по-прежнему продолжают волновать темы героического прошлого нашей Родины. В 1981 году Кугач создает историческое полотно «За Отчизну». Оно посвящено 600-летию со дня Куликовской битвы. Многофигурная композиция написана со свойственными этому живописцу серьезностью, обстоятельностью. Мастер, приближая к зрителю многоликую народную толпу, создает своеобразный эффект присутствия современника, как бы стирает временную дистанцию, призывая быть сопричастным мужеству и стойкости защитников Отчизны. Он не идет по линии схематизирующего обобщения, формального упрощения, а заставляет вглядеться в лица. С любовью Кугач раскрывает в них национальный русский тип: мужественную красоту, душевную теплоту и вместе с тем непоколебимую стойкость и волю. Великие творения В. И. Сурикова, В. М. Васнецова, внимательно изученные художником, наложили определенный отпечаток на его собственную работу, где тщательная завершенность холста, продуманность композиции и декоративно-колористическое решение напоминают об истоках. Автор, по его словам, стремился придать цвету глубокое смысловое значение. Так, например, если он делает акцент на красном, используя все его оттенки, то и понимать его следует, как в древности,— красивый, победный. Благодаря колористическому богатству произведение, при всей точности в передаче происходящего, приобретает возвышенную поэтическую интонацию. Широкий интерес художники проявляют к темам человеческого бытия. Семья, мать и дитя — постоянный лейтмотив картин Савченковой. Она обращается к бесхитростным, привычным сюжетам, сочным мазком строя живописную форму. С непосредственностью, явно избегая всякого идеализирования, Савченкова возвращает нас к сущности простого человеческого счастья в картинах «Мать» (1967), «Завтрак» (1977), «Семья студентов» (1980). В 60-е годы активная позиция названных мастеров в утверждении традиций последовательного и углубленного станковизма столкнулась с новым течением в советском искусстве — с так называемым «суровым стилем». Однако это мощное стилевое направление, захватившее многих художников, почти не коснулось их. Развиваясь самостоятельно, эта группа художников продолжала традиции художественной культуры второй половины XIX века. Они упорно следуют завету Н. Н. Ге: «Все искусство — в содержании, в том, что действительно вам дороже всего и что вы храните в вашей душе как самое дорогое, самое святое. Оно, это святое, вам и укажет характер образа (формы) и потребует от вас изучения той или другой формы. Оно будет вами руководить — и знайте, ему служите, ему верьте, не изменяйте и тогда, наверное, ваши произведения будут художественны и дороги и вам и всем окружающим»'. Большинство художников — Толкунов, Цыплаков, Володин, Кугач, Нечитайло, Соломин, Горлов, Гремитских — являются мастерами большой тематической картины, «картинщиками», по их определению. Однако своеобразие их художественного почерка реализовалось в других жанрах. У Соломина — в натюрморте, у Максимова и Цыплакова — в портрете, у Горлова и Гремитских — как в пейзажах, так и в натюрмортах, не говоря уже о "чистых пейзажистах" Светличной и Сошникове. Гармония мира вещей и мира человека, пожалуй, особенно ощутима в натюрмортах Соломина, Исключительная проработанность деталей характеризует «Натюрморт с гипсовым барельефом» (1974). Изысканность выбранного мотива в данном случае потребовала изысканности исполнения. Не случайно Соломин выбирает в данном случае не технику масляной живописи, а пастель, нежность и матовость которой придают особую красоту образу мадонны. Он следует завету своего учителя Крымова, верно угадывая общий колорит и тональные отношения между отдельными предметами. В натюрморте, где так важна «вещность» каждого предмета, автор мастерски передает фактуру гипсового барельефа, оттеняя его «живой плотью» традесканции, легкой прозрачностью ткани. Ясность идеала выражает Соломин в конкретных формах. Соединение эстетического и героического преломляется в «Натюрморте-реквиеме» (1972), посвященном памяти Ю. А. Гарнаева — летчика-испытателя, Героя Советского Союза. Это — документ времени, суровый и скорбный, но вместе с тем героический. «Натурный» подход здесь обусловлен выбором темы. Рисунок превосходно выявляет графическую жесткость форм. Линия играет роль каркаса, усиливая образную выразительность предметов. Совсем в иной художественной манере выполнены натюрморты Гремитских. Его многочисленные розы — настоящий праздник для глаз, а палитра — цветник, из которого он «высаживает» на холсты царственные, яркие, великолепные цветы. Они написаны экспрессивно, пастозным мазком, плотно ложащимся на холст. В местах, более густо насыщенных, цвет загорается. Он несет в себе радость красоты, чувственного наслаждения богатством мира. Идеал прекрасного в советском изобразительном искусстве неразрывно связан с представлением о созидании, о человеке-творце. Не случайно портрет получил такое развитие в советской живописи. В этом жанре художники идут двумя путями: первый — подчеркнуть личностные черты портретируемых, проникнуть во внутренний мир человека, выявить его неповторимость; второй — взглянуть на людей сквозь призму идеала современника. Первая задача решается Максимовым, Цыплаковым, Толкуновым, вторая — Нечитайло, Савченковой, Кугачем.В лучших традициях реализма написан портрет А. П. Кибальникова (1976—1977) Максимовым. Вдумчиво вглядываясь в модель, мастер выявляет духовную суть, напряжение мысли скульптора, своего собрата по искусству. Портрет психологичен в своей образной основе. Ему свойственны острота характеристики, строгая продуманность композиции и колористического решения. Небольшое по размеру полотно выглядит монументальным.Художник много путешествовал. Из поездки по Италии он привез разнообразные акварельные листы, пейзажи, портреты. Среди них лист «Прима гондольер» (1970). Максимов передал и прирожденный артистизм натуры, итальянский темперамент гондольера, самолюбование, эффектность позы. Видно, что мастер писал его увлеченно, тонко чувствуя атмосферу страны. Много лет назад, выступая на творческом вечере в Московском художественном институте имени В. И. Сурикова, он говорил: «Задача портретиста— сделать психологический анализ портретируемого. Иногда это делается быстро и легко, как бы само собой, но чаще всего, это процесс трудный, медленный, затяжной, требующий от художника большого знания жизни вообще и особенно жизни портретируемого, требующий большого напряжения ума и любви художника к изображаемому человеку» '. Умение подметить характерное, неповторимое в человеке свойственно и портретам Толкунова. Это прежде всего относится к подкупающему в своей раскованности портрету художника Н. Н. Горлова (1960), с которым его связывает многолетняя дружба. Словно видишь, как Николай Николаевич «ввалился» в мастерскую Толкунова и, не раздеваясь, как был в пальто и шапке, «плюхнувшись» в кресло, горячо, сходу, обсуждает, видимо, наболевший вопрос. Торопливо кладя мазки на холст, мастер спешит запечатлеть эту непосредственную, задорную, открытую натуру. Желание воплотить неприкрытую правду жизни чувствуется и в небольшом глубоко психологическом портрете, в самом названии которого «Иван» (1965) есть своеобразное обобщение. В этом натурном портрете художнику удалось в индивидуальном выявить типичное — деревенскую прозу жизни. В работах других художников этой группы утверждается идеал уверенной силы, нравственной чистоты, пронизанной глубоким чувством человека-современника в возвышенно-поэтическом аспекте. Полон внутренней вечностью образ «Молодой хозяйки» (1972) на картине Юрия Кугача. Красота, поэзия и гармония становятся неотъемлемой частью содержания произведения. Высокая культура рисунка обогащает живопись, которую отличает богатство цветовых сочетаний. Сохраняя традиционные формы жизнеописания, достоверность изобразительного языка, Нечитайло в портрете Нины Чуб (1961) в радостно-оптимистическом настроении выявляет характерность своего времени.Давно замечено, что автопортрет — исповедь души. С рассказом о смысле жизни, о прожитых нелегких годах, о бремени лет выступает в «Автопортрете» (1977) Цыплаков. В 1978 году эти художники объединились, выступив с групповой выставкой «Двенадцать московских живописцев», основой которой стал пейзажный жанр. Широко представленный на ней материал рассказал об отношении мастеров к натуре. Их картины заключали в себе свежесть и непосредственность впечатлений от общения с природой. Вопросы художественного совершенства, столь трудные иногда в тематической картине, нашли наиболее адекватное разрешение в пейзаже. Живописцев волновала проблема выразительных возможностей на основе глубокого постижения классических традиций. Не случайно поэтому зрители находили в пейзажах Светличной родство с Левитаном, серовский подход— у Сошникова, коровинский — у Гремитских. При этом пути творческого претворения натуры в живописный художественный образ достаточно многообразны. В полотнах Светличной нет внешних эффектов, сложносочиненных композиций. Она умеет видеть прекрасное в простом, очень скромном, мотивы ее работ задушевны («Березы над рекой», 1958; «Березки», 1962; «Соловьиные места», 1972). Пейзажи Светличной полны тихой радости, откровения. В них заметно тонкое умение передать грани того или иного настроения, чаще умиротворения. Это, как правило, очень камерный и близкий нам мир, особое чувство родных мест, родного края. Живопись мастера деликатная, почти «кружевная». Опытный глаз увидит в ее работах до десятка оттенков в зеленом, коричневом. Градации тональных отношений очень сближены. Голубой цвет неба служит своеобразным камертоном всего колористического строя работ. Совершенно иные живописные искания определяют пейзажи Гремитских. Его работы «Генуэзская крепость» (1958), «Коровинская дача» (1966), «Пляж. Гурзуф» (1969) буквально пронизаны светом. Ликующая поверхность холста будто самой своей фактурой источает сияние солнца. Быстрая широкая манера письма удерживает остроту первого впечатления. Живопись Гремитских, тем не менее, плотно-вещественна. Густые пастозные мазки создают подвижность световоздушной среды. Благодаря им одновременно сохраняется преобладание предмета над средой.Образ Родины у каждого художника свой. Сошников из года в год с редкостной последовательностью повторяет излюбленные мотивы цветущей ивы, сирени или первого снега, но каждый раз пейзажист открывает все новые, удивительные виды постоянно меняющейся природы. Мастер улавливает ее особую поэтическую трепетность и трогательную красоту. В картине «Пушистый снег» (1980) он увидел необычный, быть может, неповторимый момент в жизни природы: еще не ушедшее лето, уже наступившая золотая осень и первое дыхание зимы. При таком, казалось бы, невероятном сочетании нужна исключительная зоркость глаза для перенесения на холст абсолютно правильно подмеченных цветовых отношений, досконально выверенных в натуре, умение обобщить, привести к цельности весь колористический строй полотна. Волнующе убедительны в своей достоверности и вместе с тем подвижности серебристо-лиловые, приглушенно зеленые с оттенками золотого цвета. Восхищение перед волшебной красотой природы сквозит в каждом движении кисти мастера. Многие художники посвящают свои полотна Москве. Влюблен в свой город Горлов. Как он сам говорит, «болеет Москвой». Одну за другой создает он картины Москвы во всем блеске ее грандиозного размаха, поэзии и красоты. «Московская консерватория» (1975) задумана первой из целой серии работ, объединенных темой «Времена года» (серия была написана под впечатлением музыкальных произведений П. И. Чайковского). Картина созвучна фортепианной пьесе композитора «Октябрь». Печальный, как в музыке, настрой полотна. Золотые нити уже прозрачных ветвей не скрывают своей листвой знакомое здание консерватории. Сквозь их пелену оно «вырастает», ширится, доминируя в пространстве картины. Словно стекающие с грустно повисших ветвей деревьев мазки красок напоминают мелкий, моросящий дождик. Все окутано влажным дыханием осени. Ритмическая организация холста рождает музыкальные ассоциации. В общем колористическом строе полотна найдена гармония грустно и нежно звучащей мелодии. Вместе с лирической линией возникает и другая. Чувствуется желание художника рассказать о постоянно меняющемся облике нашей столицы. В этом отношении особенно характерен пейзаж-картина «Москва строится» (1975). Мы видим пристань Бородинского моста, откуда писал этюды для будущей картины художник. Точка зрения им выбрана чуть снизу вверх. При вертикальном формате холста горизонтали этажей, линии крыш, легкий рисунок стремительно поднимающихся вверх стрел кранов создают впечатление «на глазах» строящейся Москвы. Композиция строго уравновешенна, однако благодаря живописной ломке углов (цвет ложится плоскостями) выявляется внутренняя динамика художественного образа.Сегодня когда все солидные произведения искусства осели в музеях и частных коллекциях, главной "разменной монетой" на арт-рынке стали предметы искусства советского периода. КТО и с какой целью собирает то, что ещё несколько десятков лет назад считалось нашей повседневной реальностью, далёкой от антикварных торгов. ПЕРВЫЕ коллекции советской живописи XX в. были корпоративными - в начале 90-х отечественные картины покупали в основном банки (вспомним хотя бы коллекции агитационного фарфора Петра Авена - Альфа-банк, советских художников Владимира Некрасова - "Арбат Престиж", "бубнововалетовцев" Владимира Семинихина - "Стройтэкс"). Это было выгодно с точки зрения инвестиций (доход от пущенного с молотка обширного собрания разорившегося Инкомбанка пошёл на погашение задолженностей перед кредиторами), а ещё больше - престижа: полотна развешивались в приёмных и VIP-залах, добавляя учреждению значимости в глазах солидных клиентов. К концу 90-х советские образцы, уже ставшие историей, пусть и совсем недавней, стали выставлять и продавать галереи. Словом, процесс пошёл, и цены на советскую живопись начали расти. Например, летом на аукционе в Лондоне полотна Александра Дейнеки и Дмитрия Краснопевцева ушли за 250 тыс. долл. и 1 млн. долл. соответственно (что сопоставимо с ценами на западных классиков). Результат не заставил себя ждать: на сегодняшний день большинство коллекционеров искусства советского периода - частные лица. Причём многие из них не разбираются в живописи, с трудом отличая импрессионизм от соцреализма. Искусство как инструмент накопления требует коммерческого чутья, а не эстетики."Советское искусство теперь - удобное вложение средств при невысокой цене на экспонаты (в среднем 10-50 тыс. долл.) и их доступности на рынке, ещё не испытавшем острого дефицита достойных товаров, - комментирует искусствовед Надежда Потапова. - Динамика роста цен на советскую живопись поразительна: достигает 30-100%, в зависимости от направления и жанра, в то время как классика XIX в. дорожает в среднем лишь на 20% в год. При этом собирать предметы искусства советского периода ещё 5-10 лет назад было безумно рискованно - никто не мог гарантировать, что это неоднозначное направление "выплывет", а не канет в прошлое. Его совершенно не признавали официально, не считали музейным. Впрочем, и сейчас настоящие коллекционеры советских картин, скульптур, графики ориентируются больше на собственное чутьё, нежели на мнение экспертов". Цены небольшие, выбор богат, искусство знакомо с детства, а потому особенно родное и понятное - вот аргументы "за" для новых отечественных коллекционеров. Нераскрученные живописные работы можно приобрести и за 1 тыс. долл. (графику и того дешевле), с прицелом, что через несколько лет их цена вырастет в 2-3 раза. Но вот почему к советскому искусству с его пионерами, Лениными, хмурыми пейзажами и агитационными сюжетами вдруг стали проявлять интерес западные коллекционеры? Проходят специальные "русские торги" престижнейших аукционных домов (на западных аукционах цены на лучшие полотна русских художников начала XX в., например Машкова, Кончаловского, сравнялись с прайсами на классиков вроде Пикассо!), открылись галереи советского искусства в Лондоне, Сан-Франциско и других городах. Что для иностранцев русский "совок", о котором большинство из них лишь читало в газетах? "Советскую живопись ценят за самобытность и экзотичность", - рассказывает Элина М., сотрудница галереи, расположенной в центре Москвы. Из направлений искусства "совка" западные гости, по признанию продавцов, предпочитают советский импрессионизм и нонконформизм.Можно сказать, что расцвет жанров живописи в России начался в восемнадцатом веке. В 10-м веке христианская религия, пришедшая из Византии, создала удивительно своеобразный эстетический мир иконы, в тринадцатом веке уже отчетливо проявляются черты русского национального искусства, а в пятнадцатом веке, благодаря богатому разнообразию творческих приемов и взволнованному выражению живых человеческих эмоций, наступил золотой век иконописи. Развитие иконописи, отражая требования эпохи, привело к созданию портретной живописи. Великие реформы Петра Первого в начале восемнадцатого века как бы открыли для России окно в мир и обеспечили бурный расцвет искусств. Люди в эпоху Петра Первого жадно стремились понять различные новые явления в окружающей жизни и познать все многообразие мира, восставали против ограниченности во многих ее проявлениях. В этот период западноевропейское искусство волной захлестнуло Россию. Эти тенденции нашли отчетливое выражение и в искусстве живописи - в шестнадцатом-семнадцатом веках возник новый жанр натюрморта, пришедший из Франции и Голландии, а в тридцатых годах восемнадцатого века этот жанр стал так же популярен, как и жанр портрета. В то же время, русские художники стремились передать в своих полотнах очарование страстно любимой ими русской природы, просторов России. Зародилось искусство русского пейзажа, характерное только для России. И жанровая, и историческая, и тематическая живопись, подобно пейзажу, зародились в недрах народного искусства, но в своем формальном выражении испытывали влияние западноевропейской живописи. Русское искусство в девятнадцатом веке Начало девятнадцатого века ознаменовано появлением гениального Пушкина. Пушкин, чья великая жизнь оборвалась в результате дуэли в 1837 году, когда поэту было всего лишь 38 лет, не только явился родоначальником новой русской литературы, но и вписал свое имя золотыми буквами в историю русской литературы, являющейся неотъемлемой частью мировой литературы. Литературное творчество Пушкина способствовало утверждению национального самосознания и духовной индивидуальности человека, развитию выдающихся качеств русского народа, оно стало духовным богатством народа и оказало свое влияние на самые различные области искусства и культуры. Оно, разумеется, унаследовано и современным советским человеком. 19-й век был периодом наивысшего подъема русского изобразительного искусства. Это было время, когда народные массы, победившие Наполеона, почувствовали свою силу, что привело к росту самосознания, и реформа крепостничества и царизма стала просто необходимой. Стремление к общим великим целям способствовало расцвету лучших творческих качеств русского народа. Литература шла впереди других видов искусства. Живопись, критика, музыка испытывали процесс взаимного проникновения, обоюдного обогащения и развития; в борьбе с тогдашними властями и укоренившимися обычаями создавалась новая эпоха. В литературе появились Пушкин, Лермонтов, Гоголь, Некрасов, Тургенев, Толстой, Достоевский, Чехов, Горький и украинский поэт и живописец Шевченко. В публицистике - Белинский, Герцен, Чернышевский, Писарев, Добролюбов, Михайловский, Воровский. В музыке - Глинка, Мусоргский, Балакирев, Римский-Корсаков, Чайковский, Рахманинов и другие великие композиторы. И, наконец, в живописи - Брюллов, Александр Иванов, Федотов, Перов, Крамской, Савицкий, Айвазовский, Шишкин, Саврасов, Верещагин, Репин, Суриков, Ге, Левитан, Серов, Врубель - великие мастера, каждого из которых можно назвать жемчужиной мирового искусства. Реалистическое искусство и его исторический фон С появлением Гоголя и Чернышевского в тридцатых-сороковых годах 19 века в реализме, созданном Пушкиным и Лермонтовым, усилились социально-критические тенденции, утвердилось искусство критического реализма, до конца разоблачающее социальное зло, ясно определившее ответственность и назначение художника: "Искусство должно воссоздавать жизнь и показать свое отношение к явлениям жизни". Такой взгляд на искусство, утвержденный в литературе Пушкиным и Гоголем, оказал существенное влияние и на другие виды искусства. Реализм в живописи проявился в создании группы "художников-передвижников", в которую вошли художники, протестовавшие от консервативной системы академизма. Эта группа в целях просвещения народных масс изображала реальную русскую действительность, она была связана с народническим движением хождения в народ, способствовала развитию революционного демократизма. Близкий друг Гоголя Александр Иванов написал огромное полотно (540 х 750) - картину "Явление Христа Народу", работа эта продолжалась в течение двадцати лет. Хотя эта картина написана на религиозную тему, все 34 человека, изображенные на полотне, обладают реальными характерными чертами современного человека. Техника живописи и совершеннное мастерство художника выражают требования эпохи - стремление к развитию самосознания, к равенству и справедливости. Это "тематическая живопись", шедевр гуманистического реализма, в который включена возрожденная душа самого создателя картины. Знаменосцем реализма в живописи был глава группы художников-передвижников Крамской. В его шедевре - картине "Христос в пустыне" стремление проникнуть во внутренний мир современника, ответ на вопрос в фигуре человека, изображающего Христа. Но и сейчас, по прошествии ста лет, глядя на эту картину, современный человек испытывает те же чувства и душевное волнение перед этим образцом гуманизма. Утверждение многообразия живописных жанров В девятнадцатом веке идеи русского искусства выражались различными жанрами живописи. Здесь сейчас крайне трудно отнести произведения великих мастеров к какому-то определенному жанру. Так, если в качестве примера взять "Явление Христа народу" Александра Иванова - то можно сказать, что это и законченный портрет, и пейзажная живопись, и жанровая, и образная картина, кроме того это тематическая живопись, включающая в себя и натюрморт. То же самое относится и, например, к картине Репина "Бурлаки на Волге". А многочисленные морские пейзажи гениального Айвазовского ! Разве можно говорить о них только как о простых картинах, написанных в жанре морского пейзажа? В произведениях художников этой эпохи мы ощутимо чувствуем, как они развивали свой великолепный талант, насколько сильно было в этих людях чувство назначения художника, взволнованное чувство, идущее из глубины души, заставляющей художника рисовать. Именно эти идеи искусства стали движущей силой освобождения человека. Начало 20-го века Русский мир живописи в начале 20-го века вступил в пору разброда. Утвердился русский промышленный капитал, усилились тенденции буржуазного модернизма, все большее влияние приобретали антиреалистические группы. Друг за другом умирали лидеры «Группы передвижных выставок» - это ускорило отступление реализма. Антиреалистические группы яростно атаковали эстетическую теорию Чернышевского, критиковали искусство за следование социальным идеям. Движение народников, боровшихся за осуществление крестьянской революции и реализм группы передвижников в конце концов утратили свой прогрессивный характер в результате того, что на основе индустриализации появившийся рабочий класс быстро развивался под влиянием марксизма. Фобизм, кубизм, экспрессионизм, футуризм, абстракционизм, сюрреализм и другие подобные западноевропейские "измы" невиданной волной захлестнули и Россию. "Голубая роза", "Мир искусства", "Бубновый валет" и другие группы, кроме того, множество влиятельных групп, возродивших академический классицизм, проводили активную творческую деятельность. Такая обстановка сложилась перед революцией 1917 года. Искусство советского периода. Что должен делать художник? Ленин говорил об искусстве, что Искусство существует для народа, оно рождается эпохой и отражает думы и жизнь людей, оно должно быть понимаемо и любимо народом. Искусство неразрывно связано с чувствами, мыслями, волей народа, живущего в эту эпоху, и оно должно возвышать их. Деятели искусства начали трезво рассматривать искусство, человека и общество. Биение пульса народа в его инстинктивной идее искусства они восприняли как зов собственного сердца. Факел традиций гуманистического реализма понесли вперед новые лидеры, началась новая эпоха. Появилось множество новых художников во главе с Петровым-Водкиным, Юоном, Грабарем, Бродским, Иогансоном, Дейнекой, Пластовым, Герасимовым , Пименовым, Кукрыниксами. В литературе - Горький, Алексей Толстой, Островский, Есенин, Маяковский, Эренбург, Шолохов, Пастернак и др. В музыке - Прокофьев, Шостакович, Хачатурян. Русский реализм в искусстве, зерна которого заронили Пушкин и Лермонтов, и который расцвел в 19 веке благодаря Гоголю, начал давать плоды нового реалистического искусства в двадцатом веке благодаря всемирно известным советским мастерам. 1923 год стал поворотным годом в истории советского изобразительного искусства. 13 апреля было опубликовано историческое решение ЦК КПСС об организациях литературы и искусства. Это решение нанесло сокрушительный удар по многочисленным формалистическим группам, которые стали тормозом на пути развития молодого советского искусства. Был образован единый Союз художников СССР, наметилось усиление развития по пути реализма, была создана база сегодняшнего искусства. При посещении музеев изобразительного искусства в СССР, где бережно сохраняется культурное наследие прошлого в качестве всенародного культурного достояния, убеждаешься, что в них представлена вся славная история живописи от иконописи до современности, не забыт ни один период, включая и период существования формалистических групп начала двадцатого века. Особенно широко представлены все основные произведения живописи с 19 века до наших дней. Поскольку в Японии проводится специальная выставка картин русского и советского периодов, наиболее верно отражающих суть гуманистического реализма, хотелось бы сказать несколько слов о связях и преемственности традиций живописи с 19-го века до современности, рассматривая каждый жанр живописи отдельно. 1. Тематическая картина Жанр тематической картины представляется наиболее важным в живописи, начиная с 19-го века. Он представляется основным с точки зрения композиции, масштабности, глубины содержания, а также с точки зрения общих моментов с жанром исторической живописи, соответствующего традиционному стилю академического классицизма. Большая часть великих мастеров 19 века пишет тематические картины. Современные авторы также нередко рисуют некоторые моменты своей жизни в своих основных произведениях, чтобы выставить на суд публики достоинства своего творчества. Выбрав тему будущей картины, художник в течение многих лет пишет эскизы к ней. Нередко окончательная тема картины приходит к художнику внезапно во время работы над этюдами. Хотя каждый эскиз, каждый этюд сам по себе уже завершенное произведение живописи - фигура человека, пейзаж или натюрморт - художник упорно продолжает накапливать их до невероятных количеств. Случается, что композиция всей картины меняется при отделке, иногда же художник пишет много разных вариантов более мелкого размера, пока не остановится на наиболее приемлемом. Сколько этапов до завершения произведения! В мастерской художника можно услышать: "эта картина для выставки "30 лет Победы в Великой Отечественной Войне", она откроется через три года", или же художник говорит, прикрывая огромный холст размером 5 х 3 м , "Думаю выставить эту картину, когда будет устроена подходящая по теме выставка". В исканиях всех современных художников, в их душах ясно чувствуется эхо работ великих мастеров 19-го века, которые отражали свою эпоху, отстаивали гуманизм. II. Пейзаж Когда разговор заходит о России и русских людях, невозможно не упомянуть о русской природе. Творческий характер, щедрый талант, моральные качества, национальные устремления, чувство прекрасного и другие национальные особенности народа взращены на безграничной любви к русской земле. С тех пор, как на Руси (древнее название России) стали жить люди, русская земля, природа и человек слились в единое неразделимое целое. Тысячи и десятки тысяч лет рождаются люди на русской земле, живут на лоне родной природы, любят природу, воспевают ее. Можно сказать, что когда русские люди начали писать картины, жанр пейзажа уже существовал. Открытый художниками милый русский пейзаж, на первый взгляд ничем не примечательные картинки природы, журчание ручейков, пышные ивы, весенняя природа вызывали чувство любви к родной земле за скромные примулы среди травы. Другие на небольших холстах писали огромный страшный лес, и в душе возникало чувство страха перед природой и уважения к ней. В каждом дереве, в каждой былинке жили душа, роман и любовь. Произведения художников первой половины 19-го века - Венецианова, Айвазовского, Щедрина, Иванова - проникнуты светлой гуманистической атмосферой, поэтическим восприятием природы. Расцвет реализма во второй половине 19-го века углубил содержание пейзажной живописи, художники-пейзажисты находили новые способы выражения, обращались к сложным вопросам творческого воздействия народа на природу. Шишкин, Саврасов, Васильев, Куинджи, Левитан, Коровин и другие утвердили жанр русского пейзажа, он продолжает в известном смысле жить и в современной советской живописи. В мастерских тысяч современных художников можно увидеть бесчисленное множество пейзажей, наполненных этими чувствами. В этих пейзажах традиционный гуманизм русского человека, необычайная любовь к Родине, глубоко чувствуется связь искусства с обществом, возникает мысль о неразрывности присущей России и русскому человеку индивидуальности и русской великой природы и любви русских людей к природе. Ш. Морской пейзаж В 18-19 веках в недрах классического академизма в русском искусстве зарождаются тенденции романтизма. Можно сказать, что то же самое произошло и в жанре традиционного пейзажа. Гениальный Айвазовский в период развитого романтизма создал самостоятельный жанр морского пейзажа в русской живописи пейзажа. Существует мнение, что Советский Союз небогат морями, но на севере страны есть Балтийское море и Северный Ледовитый океан, на Востоке - Берингово и Охотское моря, на юге - Черное и Каспийское моря. Длина береговой линии несравнимо больше японской береговой линии. Однако, поскольку страна огромна, она совсем не воспринимается как морская страна. Если бы Айвазовский не родился в большом торговом порту Феодосия в Крыму, на берегу Черного моря, если бы вследствие этого он не почитал море как свою родную стихию, ныне русский морской пейзаж, вероятно, был бы совсем другим. Благодаря тому, что Айвазовский сам поведал о своей жизни, мы можем проследить историю и становление жанра морского пейзажа в русской живописи, IV. Образная живопись О жанре образной живописи заговорили сравнительно недавно. По крайней мере, уже после войны. Однако элементы этого жанра отчетливо прослеживаются и в реализме 19-го века, в период его расцвета. В 1855 году в журнале "Современник" мыслитель, революционер и публицист Чернышевский поставил перед народом задачу революционного переустройства действительности и определил высший критерий красоты в вопросах эстетики -высшая красота для человека это реальная жизнь: "Искусство должно воссоздавать жизнь и показать свое отношение к каждому явлению", - писал он о роли искусства, поясняя сущность реалистического искусства, основанного на гуманизме. Он обратился к тем, кто стремился к реализму в искусстве. Короче говоря, как и Гоголь, он считал, что простое изображение социального зла означает только распространение этого зла в мире, а реалистическое искусство должно размышлять, обдумывать и указывать народу, как лучше продвигаться вперед. В реалистическом искусстве наблюдается глубокое проникновение в психологию человека, в психологию общества, должен быть дан ясный ответ по разрешенным проблемам. То же и в живописи. Разумеется, в каждой великой тематической картине, в каждом дереве и в каждой былинке пейзажа, в каждом предмете натюрморта запечатлены полнота души, зов сердца. С течением времени развивались эти эстетические идеи, в результате возник жанр образной живописи с ее современным высоким интеллектом и восприятием. В 1932 году Дейнека написал картину "Мать", тогда он, вероятно, не думал об образной живописи как о жанре. Однако сейчас, по прошествии 45 лет, именно это произведение стало творческим символом жанра образной живописи. Пименов в своих работах на темы из современной жизни излагает свою эстетику. Его картины утонченно интеллектуальны и крайне изящны. Хотя в этих картинах не все выражено конкретно, возникает ощущение, что изображено все, что здесь живут люди. Глубина содержания, возможность наслаивания ассоциаций, интерес способствуют возникновению у зрителя множества мыслей, мгновенного получения правильного ответа. Жанр образной живописи - это настоящий цветок современного искусства, расцветший на основе традиций гуманистического реализма. V. Портрет Жанр портрета в русской живописи с течением времени постепенно выделился из иконописи и четко определился как самостоятельный жанр в начале 18 века. Так же, как и в Западной Европе, начали писать портреты сперва коронованных особ, аристократии, семей капиталистов . В 19 веке портрет также получил крещение реализмом, из напыщенных застывших натуралистических портреты перерождались в наполненное жизнью искусство. В эпоху реалистического искусства объект портретной живописи переместился с царей и аристократии к простому народу. Страдающий старик, нищий в лохмотьях, образ матери, отдельная личность, человеческая жизнь - в портретах выражались радости и страдания человека, портрет стал откровением, заставлял ощутить жизнь во всей ее полноте. Почти все великие мастера 19 века были и портретистами. Поскольку портрет наряду с пейзажем был традиционным в русской живописи, для написания больших тематических полотен художник должен был владеть одинаково любым жанром живописи. Замечательны портретисты советского периода - Петров Водкин, Нестеров, Грабарь, Яковлев, Корин, Сарьян, Кончаловский, Александр Герасимов, Ефанов. Среди них наиболее интересные произведения оставил Нестеров. Самое знаменитое произведение свое Нестеров написал до революции - "Явление святого духа отроку Варфоломею". А целый ряд портретов выдающихся советских деятелей культуры и науки, созданный Нестеровым в тридцатых годах, стал ценнейшим вкладом художника в сокровищницу советской живописи . Нестеров развил в своих работах прекрасные традиции портретного жанра русского изобразительного искусства. В портретах его работы непреклонная энергия, широкий интеллект, глубочайшая психология, мощный внутренный заряд, все это неизменно привлекает сердца зрителей. В пятидесятых годах стремление художников выразить историческую истину о себе, своих идеях и современниках сильнее всего выразилось в портретной живописи. В пример можно привести творчество Александра Герасимова и Корина . В шестидесятых годах в области тематической живописи и портретной крупных успехов добился азербайджанец Салахов. Его кисти принадлежит "Портрет композитора Кара-Караева" - образец портрета 60-х годов. В этом портрете сплав психологического портрета и портрета-памятника, данный в совершенном исполнении. IV. Натюрморт «Натюрморт - это насущный предмет обсуждений художников этого жанра. В нем невозможно поместить объект в пространстве под какой-нибудь темой или показать психологизм. Где нахожусь я, воспринимающий этот предмет? Что он такое, этот предмет? Где он находится? Это основные требования натюрморта. Кроме того, восприятие натюрморта зрителем - большая радость познания.» — Петров-Водкин — Натюрморт пришел в 16-17 веках из Германии и Голландии. К началу 18 века определился как новый самостоятельный жанр живописи. Первые русские натюрморты характеризовали простоту, хрупкость природы. На окрашенной краской поверхности, имитирующей деревянную доску помещали предметы повседневного обихода - книгу, тетрадь, чернильницу и т.д. Характерны были миниатюрность предметов и пространство. В эпоху Петра Великого, как отражение времени и стремления к прогрессу и просвещению, появились первые натюрморты с изображением продуктов питания - "расстеленная скатерть, хлеб, кувшин". Во второй половине 18 века наблюдался застой, в это время стала модной пышность, могущая поспорить с иностранцами, жившими в России. В Академии господствовал классицизм, главным жанром считался жанр исторической живописи, натюрморт рассматривался как низкий жанр, как вспомогательный для исторических и жанровых картин. Именно по этой причине художники академии проявляли к нему особый интерес. В этом направлении и развивался этот жанр на протяжении ста лет Венециановым и художниками его школы. В первой половине 19 века Федотов компоновал картину согласно идее произведения, включал и натюрморт. В своих произведениях он рассказывал о привязанностях живых людей, пробуждал в зрителях определенное отношение к ним. Затем, Волков создал самостоятельный натюрморт, отличающийся точностью контура и точным восприятием материала. Во второй половине 19 века в произведениях художников-реалистов натюрморт не играл заметной роли, поскольку их задачей было прославление служения обществу. В это время натюрморт становится предметом учебной работы, развивающей способности художников. Однако, тем не менее, Левитан наряду с пейзажами писал и натюрморты, наполненные любовью к русской природе. Начало 20-го века было отмечено расцветом русского натюрморта, который, наконец, получил равные права с другими живописными жанрами. Искусство, развивавшееся в предреволюционные годы в условиях жестокой социально-идеологической борьбы, характерно поисками в области цвета, формы, пространственной композиции. В усилиях расширить и развить выразительный язык и возможности живописи художники с большим вниманием обратились к традициям древнерусского и народного искусства, к наследию восточных культур и западного классицизма, к достижениям современной французской живописи. В течение пятнадцати лет жанр натюрморта прошел сложный путь от импрессионизма до абстракционизма. Импрессионизм и антиреалистическая группа Коровин, Грабарь, Ларионов (ранний период) были представителями импрессионизма. Коровин стремился выразить разумность радостей жизни и самые свои светлые впечатления. Ларионов предпочитал более мягкие краски, вдохновение и поэтичность . Грабарь пишет натюрморты, тесно связанные с пространством и пейзажем, занимающие всю поверхность картины. "Мир искусства" (антиреалистическая группа). В эту группу входили Сапунов, Судейкин, Головин, Анисфельд и др. Отличались пристрастием к изысканным, тщательно отделанным вещам. "Голубая роза" - представители этой группы Сарьян, Кузнецов отражали в своих произведениях сильное тяготение к Востоку. Острые контрасты, резкие светотени, четкий контур, изображение отдельных цветов и листьев, эффект яркого и как бы пылающего солнца."Бубновый валет". Эта группа находилась под сильным влиянием Сезанна. Они вели поиск, как при помощи цвета передать величину и качество предмета, как добиться со держательности цвета, чтобы повысить его выразительность. Произведения лидеров этой группы Машкова и Кончаловского воспевают любовь к жизни, природе и щедрым дарам богатейшей земли. В конце концов, в десятых годах, художники группы "Бубновый валет" перешли к кубизму.Кроме того, многие художники этого периода отреклись от традиций великого искусства, отвергли веками копившееся наследие культуры изящных искусств. Малевич, Кандинский и другие сооружали конструкции в духе абстракционизма, кубизма, футуризма.В 1917 г. произошла Октябрьская революция. Осуществился поворот к искусству социалистического реализма. Двадцатые и тридцатые годы ознаменованы сложными поисками новых способов выразительности, которых требовала историческая действительность. В эти годы шел непрерывный процесс борьбы с самыми различными течениями и школами формализма.В этот период объединились художники старшего поколения - Машков, Кончаловский, Сарьян, Кузнецов, Фальк, Куприн, Петров-Водкин. Они перешли от абстрактно-философских приемов к тематической живописи.В жанре натюрморта важную роль играет творчество Пименова. Возвышенные чувства, заострение внимания на роли вещей в жизни человека приближает его произведения к жанру образной живописи.Эти десять лет были для натюрморта в советской живописи поистине годами расцвета жанра. Асламазян, Стожаров и другие молодые талантливые художники продолжают поиски, большое внимание уделяют традициям русского народа, экзотике , появляются новые интересные решения и открытия. VII. Жанровая живопись Жанровая живопись в России существовала издавна, так же, как и пейзажная живопись, но настоящего развития она достигла в 19 веке, в период расцвета реализма.Гуманистический реализм 19 века добросовестно отображает жизнь людей своей эпохи, детально показывает их одежду, прически, косметику, украшения, интерьер жилищ, жесты, манеры, даже вышивку на носовых платках. В каждом из произведений этого жанра навеки запечатлен миг из жизни той эпохи. В этих картинах человек живет в своем времени, в своем привычном окружении, герой или героиня картины выражают идеи и стремления своего времени, поэтому эти картины будут всегда производить на зрителя самое свежее непосредственное впечатление, сколько бы сотен лет не прошло. Тематические и исторические картины трудно четко отделить от жанровых. Однако, в зависимости от содержания, картина может быть или более тематической или же более жанровой, это разделение зависит от выразительного языка произведения.Если рассматривать жанровую живопись исторически, то реализм 20-го века по сравнению с реализмом 19-го века стал гораздо глубже по сути. Причина этого в том, что благодаря величайшему историческому событию - революции в СССР, люди возвратились к реализму - реализму социалистическому, основанному на стремлении созидать, а не разрушать. Однако, нельзя сказать, что в изобразительном искусстве полностью исчезло влияние периода начала 20-го века.Спустя четверть века после революции открылись решающие возможности для утверждения нового реалистического искусства. Причина этого в том, что и реализм 19 века, и реализм 20-го века был воплощением братского стремления людей к свободе в пределах одной страны, в пределах одного Союза.Однако война, названная Великой Отечественной войной, была войной с другими государствами, воевали, отдавая жизни в защиту своей Родины."За Родину!", "За мир во всем мире!" - эти высокие лозунги вели людей на битву, заставляли их глубже осознать свою миссию. Мир искусства еще теснее сплотился во имя выполнения еще более высоких целей.Иогансон, Дейнека, Кукрыниксы, С. Герасимов, А. Герасимов, Мухина, Пластов, Пименов, Сарьян, Ромадин в то время молодые современные ведущие художники Пономарев, Яблонская, Непринцев, а также многие тысячи других художников решительно поднялись на борьбу за победу своей Родины, за строительство своей Родины.Деревня, написанная Пластовым. Самые простые, будничные вещи наполнены человеческими эмоциями, освещены лучами поэзии и истины жизни. Труд, спорт, отдых - темы картин Яблонской. Щедрость здоровой ясности, оптимизма, радостной энергии, жизнь кипит в героях ее картин. Сейчас, когда этот период пройден, в поэтическом осмыслении жизни Яблонской все глубже дышит человеческая правда.Григорьев, Решетников, Шевандронова свои произведения посвящают детям. Сколько в них теплого человеческого чувства и юмора!Насколько выгодно вложение денег в предметы искусства Одной из последних сенсаций лондонского аукциона Sotheby’s стала продажа «Мальчика с трубкой» Пикассо за $104,1 млн. Это самая дорогая картина, до сих пор проданная на аукционе. Джон Хей Уитни, бывший посол США в Великобритании и бывший владелец картины, купил ее в 1950 году за $30 тыс. Эксперты подсчитали, что средняя годовая доходность инвестиции в шедевр «розового» периода Пикассо составила шестнадцать процентов. Известно, что во время Великой депрессии в США не потеряли состояние только те люди, которые вложили средства в предметы искусства. Нью-йоркские профессора Джайнпинг Мей и Майкл Мозес, которые занимались изучением цен на искусство, в качестве примера приводят и судьбу картин Сезанна в Германии. Несмотря на две мировые войны, цены на полотна великого француза не упали. Мировые катаклизмы могут влиять только на ликвидность, и то это явление временное. Главное – этот самый катаклизм пережить, а уж потом бедность коллекционеру не угрожает. Практичные американцы, подошедшие к делу со всей финансовой ответственностью, на основе доступной статистики продаж составили индексы для международного арт-рынка. Плод их тридцатилетней деятельности - Mei-Moses Index – объективный оценочный инструментарий для работы с таким загадочным явлением, как художественный рынок. Два ученых оказали романтически настроенным финансистам неоценимую услугу. Однако все их разработки, к сожалению, относятся к западному арт-рынку. Родная речь Что касается российского художественного рынка, то здесь все гораздо причудливее и сложнее. Рынку всего полтора десятилетия, но в течение этого времени он бессменный фаворит прессы. Очень долго любимой темой журналистов было его отсутствие, но солидные обороты одного только антикварного рынка – $80-100 млн. в год по официальным оценкам или $1-1,5 млрд. – по неофициальным (разница впечатляет!) - заставили признать существование этого экономического явления. Редкий месяц обходится без того, чтобы какое-нибудь издание не опубликовало статью на животрепещущую тему. А рынок и рад стараться – он преподносит сюрприз за сюрпризом, и в основном приятные. Так, любителям классического русского искусства удалось не только вложить деньги, но и хорошо заработать на Айвазовском, Шишкине и прочих хрестоматийных художниках. Тот, кто не пожалел лет восемь назад отдать за подобные полотна $30-40 тыс., сейчас может расстаться с экспонатами своей коллекции за миллионные суммы. Стоимость произведений русского искусства растет, опережая самые смелые прогнозы. Дефицит на рынке работ мастеров «первого ряда» поднимает цены на второй и третий - так, обладающие в основном больше антикварной чем художественной ценностью полотна Лагорио, Боголюбова, Дубовского, уже прочно относятся к категории «топ», то есть продаются примерно за $100 тыс. и более. Однако при том что рынок растет как на дрожжах, он остается сугубо национальным, изолированным: эта эпоха отечественного искусства не включена в мировой контекст. Несмотря на то, что самые громкие торги проходят в Лондоне и Нью-Йорке, русских художников покупают на них в основном русские коллекционеры.Немалый вклад в самобытность нашего рынка внесла и «загадочность русской души», впрочем, на этом уровне вполне разгаданная. Людям, у которых достаточно денег, но когда-то не хватило времени на самообразование, приятнее всего видеть в своей коллекции привычные картинки из «Родной речи». Это своего рода трофеи триумфа: «Когда-то сочинения приходилось по вам писать, а теперь вы дома у меня висите!»Российский художественный рынок многосоставен и мозаичен. Антикварная его часть – самая громкая и доходная, но это еще не все. Рынок русского искусства ХХ века (дореволюционного) превосходит антикварный и идеологически (он больше вовлечен в мировой контекст), и экономически. Те, кто покупал пять лет назад художников «Бубнового валета» и, по мнению скептиков, переплачивал, сейчас в небывалом выигрыше. В ознаменование торжества художественной справедливости на весенних торгах Sotheby’s работа Петра Кончаловского ушла за $1,5 млн., а на осенних – натюрморт Ильи Машкова и вовсе за $3,5 млн. Шишкин и Айвазовский остались далеко позади. Подобные кульбиты рынка стали сюрпризом для недальновидных профессионалов. На последних антикварных салонах не раз приходилось слышать унылые признания арт-дилеров, что-де был вот у меня Кончаловский два года назад, так я его продал поскорей. Нет бы попридержать! Актуальные цены Наиболее сложна ситуация на рынке современного русского искусства. За очень небольшое время своего существования он уже познал и взлеты и падения. После невиданного бума конца 1980-х, когда бешеным успехом пользовалось любое произведение, лишь бы оно было создано отечественным художником, не принадлежавшим к официальному искусству, наступило затишье. За несколько лет приоритеты изменились, строже стали критерии художественного качества, цены поползли вниз. Оказалось, что неофициальный художник неофициальному художнику рознь, а кроме того - в пылу освобождения все как-то забыли (это в лучшем случае, а в худшем – предали анафеме) официальное советское искусство. Его лучшие образцы за бесценок успели скупить американцы, итальянцы, французы и прочие понимающие люди, открывшие на Западе галереи, успешно продающие с хорошей прибылью советских художников нашим же соотечественникам. Музей русского искусства в Миннеаполисе, созданный американским коллекционером Реймондом Джонсоном, – крупнейшее зарубежное собрание российского искусства. Основу его составляют именно работы мастеров социалистического реализма, которые по прошествии времени воспринимаются уже вне идеологической шелухи, покоряя высоким художественным качеством. С одной стороны, музей Рея Джонсона – наша гордость, а с другой – укор соотечественникам, проглядевшим такую ценную часть собственного художественного наследия. Сейчас рынок переживает очередной бум. Ему не помеха даже масштабный скандал с фальшивками, разгоревшийся осенью 2005 года. Впрочем, искусство в России покупали всегда, даже тогда, когда рынка вовсе не существовало. Лишь одно обстоятельство может омрачить радужную перспективу стать коллекционером – закрытость и труднодоступность этой экономической территории. Даже прожженные акулы бизнеса рискуют оказаться в положении младенцев в джунглях, пускаясь в увлекательную авантюру собирательства. Но расхожий образ нувориша, окружающего себя безвкусными предметами, навязанными ему бессовестными мошенниками-консультантами, сейчас лишь литературное преувеличение. Человек с деньгами – самая желанная фигура на артрынке. Без него ничего не происходит, знакомства с ним ищут, и отношения хотят строить долгосрочные. Галереи современного искусства, не избалованные покупателями, дорожат своей репутацией, дающейся не так уж легко. А приобретать произведения современного искусства на улице, кажется, сегодня не станет и профан. Оказаться в смешном положении сейчас скорее может коллекционер антикварной живописи. По свидетельству специалистов, подделки составляют около шестидесяти процентов этого рынка. Еще хуже дело обстоит с русским авангардом – главным «брендом» нашего искусства. Здесь подделок предположительно девяносто процентов. Все это легкообъяснимо. На что спрос выше, то больше и подделывают. В том истерическом ажиотаже, который демонстрируют наши соотечественники на международных аукционах, сражаясь за пейзажи Айвазовского и Шишкина, слышится лозунг советской очереди: не больше двух в одни руки! Благо, на Sotheby’s и Christie’s проблема дефицита цивилизованно и открыто решается с помощью денег. В этом контексте естественно рыночное стремление мошенников удовлетворить спрос, но горе тому, кто решится купить пейзаж дефицитного Шишкина «из-под прилавка». Ему наверняка всучат фальшивку. Надо оговориться, что даже харизматичный Sotheby’s дает лишь пятилетнюю гарантию на экспертизу своих специалистов. А что? Искусствознание на месте не стоит, открытия делаются постоянно – жизнь есть жизнь. Конечно же существуют работы с безупречным провенансом (так на искусствоведческом наречии называется «родословная» картины) – неоднократно упомянутые в литературе, опубликованные в каталогах, но с каждой гарантией возрастает и цена. Таким образом, подобный род коллекционирования становится занятием для небожителей, и суммы первоначальных вложений подбираются к семизначным цифрам, а то и зашкаливают за них. Коллекционирование вообще дорогое удовольствие: по оценкам специалистов, собирать коллекцию с целью инвестирования можно, лишь начав с покупки не меньше чем на $10 тыс. К тому же ждать придется долго, если, конечно, не будет необычных скачков рынка, которые наблюдаются у нас в последнее время. Но ведь так бывает не всегда. Современное искусство дает редкий шанс начать с меньшей суммы и заработать много и быстро. Правда, идиллию нарушает довольно большой процент риска. Можно поставить не на ту лошадку. А в свежайшем современном искусстве, называемом актуальным, все лошадки более или менее темные. Точность прогноза на этом рынке сродни точности прогноза погоды. Как в последнем случае лучше всего полагаться на ноющие к непогоде кости ревматического старика, так и в случае с арт-рынком лучше всего руководствоваться соображениями эксперта-знатока, обладающего талантами, редкими в любой среде, – интуицией и безупречным вкусом. Поскольку встреча с таким знатоком – редкая удача и выпадает не каждому, то к услугам желающих приобщиться к прекрасному – галереи с именем, проверенные арт-консультанты, ну и собственный опыт, конечно. Безусловно, мало кто покупает картины только затем, чтобы выгодно их перепродать через год или два. Искусство становится частью жизни. Тут важны менталитет, пристрастия, имидж, вкус коллекционера. Ни один арт-консультант не убедит прогрессивного, футуристически настроенного клиента купить русский классический салон. Этим странным людям ампирные стулья напоминают о ерзавших на них поколениях предшественников, а бури Айвазовского вызывают морскую болезнь. Им подавай все новенькое. Они готовы поставить у себя пластиковый диван, если он отвечает их представлениям о сегодняшнем дне и сделан модным дизайнером. Это готовые коллекционеры современного искусства. До сих пор их поступки в глазах окружающих окружены флером экстравагантности и легкого сумасшествия. Мы консервативны, и актуальное искусство для нас до сих пор под сомнением. Неслучайно самыми активными собирателями русского искусства последних лет снова стали иностранцы – особенно французы и итальянцы. История с соцреализмом повторяется, но в более оптимистичной тональности. Чтобы жить и создавать это самое современное русское искусство, художнику, как и всякому человеку, нужны деньги. Если коллекционер не станет покупать эти произведения, не будет и искусства. Художник просто может задуматься о смене профессии на более выгодную. Так что коллекционер, приобретающий произведения живого, полного сил мастера, поддерживает тем самым все то искусство, которое существует сейчас. Не продается вдохновенье…
В основе рынка современного искусства лежит одно серьезное противоречие, когда-то бывшее движущей силой модернизма. Высокому искусству всегда казалось, что быть коммерчески успешным стыдно. Эпатаж дадаистов, ирония поп-арта – все это попытки доказать, что искусство выше денег и его не купишь. Оказалось – очень даже купишь. Ready-made Марселя Дюшана давным-давно стоят миллионы, не отстают от них серийные провокации Энди Уорхола – это уже классика. Но сейчас можно говорить об ускорении процессов «открытия», признания и «вздорожания» искусства. Эпатаж по-прежнему актуален: чем звонче пощечина, тем больше за нее отваливают денег. Самый яркий и свежий пример – история молодого английского художника Дэмиена Хирста и его коллег, которых объединяет общее название YBA – Young British Artists. Знаменитый британский галерист Чарльз Саатчи сумел «раскрутить» этих хулиганов и провокаторов до уровня мэтров. Произведения YBA – в собрании Тэйт-галереи, в престижнейших частных коллекциях, например, Мадонны и Дэвида Боуи, а на одном из недавних Sotheby’s цена на Хирста перевалила заветный порог в 1 млн. фунтов. На российском рынке современного искусства таких чудес пока что не было. Мы учимся. |
